Βικτωριανή τέχνη, μόδα και σχέδιο – κριτική

By | December 10, 2023

<span>Φωτογραφία: Tobias Fischer/Ευγενική προσφορά: Monica Sjöö Estate και Alison Jacques, Λονδίνο © Monica Sjöö Estate</span>” src=”https://s.yimg.com/ny/api/res/1.2/tlrCgl2We806tAWFudImng–/YXBwaWQ9aGlnaGxhbmRlcjt3PTk2MDtoPTQ4Mw–/https://media.zenfs.com/en/theguardian 871aaa58c89e” data-src = “https://s.yimg.com/ny/api/res/1.2/tlrCgl2We806tAWFudImng–/YXBwaWQ9aGlnaGxhbmRlcjt3PTk2MDtoPTQ4Mw–/https://media.zenfs.com/en/13c1778787666868787866 aa58c89e”/></div>
</div>
</div>
<p><figcaption class=Φωτογραφία: Tobias Fischer/Ευγενική προσφορά: Monica Sjöö Estate και Alison Jacques, Λονδίνο © Monica Sjöö Estate

Οι πίνακες του Σουηδού καλλιτέχνη Monica Sjöö (1938-2005) είναι δυνατοί και ξεκάθαροι στην πολιτική τους. Το πιο αμφιλεγόμενο έργο του –τόσο διάσημο που είναι αρκετά παροιμιώδες– είναι Ο Θεός που γεννά από το 1968. Ο τίτλος τα εξηγεί όλα. αλλά, σε περίπτωση που κάποιος έχει αμφιβολίες, οι λέξεις είναι επίσης γραμμένες στην οθόνη, κάτω από την εικόνα μιας γυμνής γυναίκας που γεννά ένα μωρό με φόντο το σκοτάδι έξω. Όλα λέγονται ασπρόμαυρα.

Οι αντιδράσεις σε αυτόν τον πίνακα ήταν (ίσως όσο και το ίδιο το έργο) σημεία των καιρών. Ο Sjöö αναφέρθηκε στην αστυνομία για βλασφημία και στη συνέχεια για άσεμνο. Το έργο αποσύρθηκε από την έκθεση στο φεστιβάλ του συμβουλίου τεχνών του St Ives το 1971 μετά από δημόσια οργή. Οι λεζάντες που τα λένε όλα είναι κατάλληλες και ζωτικής σημασίας σε αυτή την τεράστια αναδρομική έκθεση της Οξφόρδης Μοντέρνας Τέχνης, γιατί αυτή είναι, πάνω απ’ όλα, μια παράσταση κοινωνικής ιστορίας.

Ο Sjöö γεννήθηκε στη βόρεια Σουηδία από γονείς καλλιτέχνες. Στα 16 της έφυγε για το Παρίσι για να γίνει μοντέλο, αλλά γνώρισε τον πρώτο της σύζυγο και μετακόμισε στην Αγγλία, όπου έκανε πολλές άλλες σχέσεις και τρία παιδιά. Ήταν μια τρομερή ακτιβίστρια, οι εκστρατείες της αντικατοπτρίστηκαν παντού στην τέχνη: ενάντια στο Βιετνάμ, υπέρ των δικαιωμάτων των γυναικών όσον αφορά τις αμβλώσεις, την αντισύλληψη, τη θρησκεία, την πολιτική, τους μισθούς για οικιακές εργασίες. Και με τη γέννηση του δεύτερου παιδιού της, υπήρχε μια συντριπτική αίσθηση ότι η μητρότητα ήταν σημαντική σε κοσμικό επίπεδο και ήταν στενά συνδεδεμένη με τη σωτηρία του πλανήτη.

Ξέρεις πού βρίσκεσαι πριν καν μπεις στο MAO. Οι αφίσες του Sjöö καλύπτουν τους εξωτερικούς τοίχους σαν ένα κομμάτι εποχής από το σχετικά πρόσφατο παρελθόν: Τέλος Πατριαρχίας, Προστατέψτε τη Μητέρα Γη, τα σώματά μας, τον εαυτό μας. προτροπές, δηλώσεις. Ο αυτοαποκαλούμενος αναρχο-οικοφεμινισμός της είναι ένα ζιζάνιο για τους σύγχρονους φοιτητές. Η Γκρέτα Τούνμπεργκ είναι θαυμάστρια. Αυτό όμως που τραβάει την προσοχή, μέσα του, είναι το μεγάλο ερώτημα του τι ήλπιζε να κερδίσει εκφράζοντας τις απόψεις της μέσω της τέχνης.

Ο Sjöö είχε μια αισθητική και κόλλησε με αυτήν για χρόνια (πόσα ακριβώς δεν είναι προφανές, καθώς πολλά από τα έργα αυτής της παράστασης δεν έχουν ημερομηνία). Ζωγράφισε συμβολικές φιγούρες με έντονα μαύρα περιγράμματα σε μεγάλους καμβάδες ή τμήματα σανίδων. Η Αφροδίτη του Willendorf, η Pallas Athene, η Lilith και η Eve, οι αφρικανικές και αιγυπτιακές θεές της γονιμότητας: όλες εμφανίζονται σε διαφορετικές διαμορφώσεις ενάντια σε έναν περισσότερο ή λιγότερο εσωτερικό χώρο που τείνει να είναι στοιχειώδης. Φωτεινά ποτάμια κυματίζουν σε κυματιστά λιβάδια κάτω από αστραφτερούς ουρανούς.

Δεν ξέρει να ζωγραφίζει και δεν προσπαθεί καν. Τα μοτίβα του προέρχονται από την τέχνη του παρελθόντος, με την προσθήκη πλανητών, πνευματικών εξυψώσεων και περιστασιακών ορόσημων (Avebury, Stonehenge). Ο Sjöö δεν είχε καμία σχέση με τον κόσμο της τέχνης, εργαζόταν εξ ολοκλήρου εκτός ιδρυμάτων και το βλέμμα συχνά ταλαντεύεται μεταξύ μαγικού μανιταριού και φεστιβάλ χίπις. Εκτός από κάθε άλλη ζωγραφική είναι στερεωμένη με μια σαφή φράση ή λέξη.

Κάτι που σίγουρα πηγαίνει στην καρδιά του έργου του Sjöö. Γιατί αυτοί είναι ενεργοί πίνακες, μορφές διαμαρτυρίας. Κάποια φτιάχτηκαν για να αναπαραχθούν ως αφίσες, άλλα μεταφέρθηκαν ως πανό στις πορείες. Πρόκειται για δημόσιες δηλώσεις, στις οποίες το θέμα γίνεται εικονογράφηση.

Μερικές φορές οι λέξεις υπερβαίνουν τελείως τις εικόνες. Οι νοικοκυρές, λέει το ουσιαστικό βαλίτσα τυπωμένο πάνω από μια γυναίκα που τρίβει το πάτωμα, ένα γυμνό με τα πόδια ανοιχτά και ένα ιδανικό γυναικείο κεφάλι. Όλα εικονίζονται πίσω από τα κάγκελα. Αλλά είναι η ιδέα ότι οι γυναίκες είναι παντρεμένες στο δικό τους σπίτι που προκαλεί έκπληξη.

Το καλύτερο από όλα είναι οι πίνακες εμπνευσμένοι από την αναρχική Έμμα Γκόλντμαν, ειδικά ένα γραφικό διπλό πορτρέτο, μαύρο σε κόκκινο, που την δείχνει ως κεφάλι μέσα στο κεφάλι, σκέψη μέσα σε σκέψη. Μια μικρή έκρηξη τυπωμένων συνθημάτων εμφανίζεται δίπλα της σαν άγριος λόγος.

Το Μουσείο Ashmolean, λίγους δρόμους μακριά, παρουσιάζει το συναρπαστικό Έγχρωμη Επανάσταση: Βικτωριανή Τέχνη, Σχέδιο μόδας. Αυτό οδηγεί το μάτι κατευθείαν σε μια παλίρροια φωτεινών νέων χρωμάτων, απομακρύνοντας την ομίχλη από τις παλιές μας αντιλήψεις για τη βικτωριανή κοινωνία ως σκοτεινή, υγρή και ομιχλώδη. Ανοίγει ακριβώς με αυτό το όραμα – ένα από τα άφθονα πένθιμα φορέματα της Βασίλισσας Βικτώριας, κατάμαυρα και μελαγχολικά – και μετά πηγαίνει κατευθείαν στη θεαματική ακουαρέλα του Τζον Ράσκιν του 1871 με μια αλκυόνα, όλα λαμπερά σε τιρκουάζ, λιλά και μπλε. -παραδεισένια.

Υποστηρίζεται ότι η ομώνυμη έγχρωμη επανάσταση ακολουθεί την ανακάλυψη ότι θα μπορούσαν να παραχθούν λαμπρές συνθετικές βαφές από λιθανθρακόπισσα, η οποία ήταν υποπροϊόν της εξαγωγής οπτάνθρακα από τον άνθρακα τη δεκαετία του 1850. Αυτές οι βαφές μπορεί να είναι απίστευτα ισχυρές. Ριγέ κάλτσες σε ματζέντα και κίτρινο θειάφι, πλούσιο μωβ εσώρουχο, πορσελάνη με σχέδια σε μπλε ultramarine.

Η παράσταση κινείται από οριενταλιστικούς πίνακες σε αυτά τα φωτεινά νέα χρώματα σε κοσμήματα φτιαγμένα από κομμένα κεφάλια ιριδίζοντα κολιμπρί, από φανταχτερούς πίνακες προ-Ραφαηλίτη μέχρι γυναικεία μπότα από μετάξι κοβαλτίου και ένα φόρεμα της δεκαετίας του 1860 σε συγκλονιστικό ηλεκτρικό βιολετί.

Τίποτα από αυτά δεν έχει εξαφανιστεί και μπορεί κάλλιστα η χημεία να έχει παίξει τον ρόλο της. Αλλά η αλκυόνα έχει τα αληθινά της χρώματα, τα οποία απεικονίζονται φυσικά με λεπτές ακουαρέλες, και υπάρχουν πολλά πιο διακριτικά έργα εδώ, από τους Turner και Whistler, για παράδειγμα, που είναι τόσο διακριτικά όσο οι σκιές. Υπάρχει μια τεράστια απόσταση μεταξύ της ταπετσαρίας, του υφάσματος και των μοτίβων paisley – όσο συναρπαστικά είναι σε αυτήν την ενεργειακά ποικίλη ανθολογία – και τα χρώματα της βικτωριανής ζωγραφικής. Και, φυσικά, η ωμή αλήθεια είναι ότι η μόδα αλλάζει.

Εδώ είναι που η έκθεση γίνεται ακόμη πιο συναρπαστική, καθώς οι επιμελητές αποκαλύπτουν μια σύνδεση μεταξύ ηθικής και αισθητικής. Το χρώμα εδώ γίνεται ξαφνικά αμφιλεγόμενο. Δεν είναι μόνο ότι αυτοί οι φωτεινοί τόνοι θεωρούνται περίεργοι ή χυδαίοι. Απλώς τα συγκεκριμένα χρώματα υποδεικνύουν βαθμούς φθοράς. Η καταστροφική λιθογραφία του Eugene Grasset του 1897 δείχνει μια μορφινομανή να αυτοπυροβολείται στον γυμνό μηρό σε ένα κίτρινο φόντο που ουρλιάζει. Και το 1899, ο Ισπανός καλλιτέχνης Ramón Casas ζωγραφίζει μια νεαρή γυναίκα απλωμένη σε έναν καναπέ, με ένα βιβλίο σε ένα απλό χέρι. Ο καναπές είναι πράσινος αρσενικού, το οποίο είναι αρκετά κακό, αλλά ο όγκος είναι χειρότερος: τίποτα λιγότερο από παρακμιακό κίτρινο βιβλίο. Το χρώμα Fin de siècle είναι κρίσιμο.

Αξιολογήσεις με αστέρια (από πέντε)
Monica Sjöö ★★★
Έγχρωμη Επανάσταση ★★★★

Leave a Reply

Your email address will not be published. Required fields are marked *